查看详情
   显示下一条  |  关闭
温馨提示!由于新浪微博认证机制调整,您的新浪微博帐号绑定已过期,请重新绑定!立即重新绑定新浪微博》  |  关闭

 
 
 
 
 
 

贵州省 贵阳市

 发消息  写留言

 
博客等级加载中...
今日访问加载中...
总访问量加载中...
最后登录加载中...
 
 
 
 
 

公告

 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 
 
 
模块内容加载中...
 
 
 
 
 
 
 

[置顶] 贵阳画室石膏像素描习作

2010-11-15 9:53:01 阅读6380 评论7 152010/11 Nov15

大卫石膏像   全开长期作业(铅笔50小时)

伏尔泰  4开(炭铅笔三小时)

塞内卡  4开(铅笔三小时)

高尔基  4开(炭笔二小时示范)

马赛  4开(炭笔二小时示范)

伏尔泰  4开(炭精条结构一小时示范)

作者  | 2010-11-15 9:53:01 | 阅读(6380) |评论(7) | 阅读全文>>

素描基础理论(二)

2017-9-13 10:07:27 阅读117 评论0 132017/09 Sept13

第二节  素描的主要表现手法及基本技法理论

一、   基础理论

素描作品,无论其内容及风格特点,均离不开线条、色调这两个基本表现语言。在这二者当中,线条是首要因素。首先,素描作品可以只用线条画成;其次,色调本身也是由线条的排列组合或把线条加宽(宽线条)而成的。因此,提高线条的运用技巧和表现力,是提高素描水平的关键。下面,就线条和色调的构成原理分别进行说明:

从客观上说,任何形体形象,本身是严密的整体,分离不出任何一条单独存在的线条。但是,从视觉上说,当我们在某一角度观察某一立体形象时,过于谈形体外轮廓部位的体面由于透视的原因,在视觉上就缩减成了一条较细的线,这就是我们平时所谓的“边缘线”或称“外轮廓线”。其次,在形体两个面的转折处或交界处,我们也会看到一条明显的“线’——结构线,如桌子上的棱角线,眼睛、嘴的结构线等等。这些结构线又称为“内轮廓线”,形体的外轮廓线和主要结构线是素描中线条语言的客观依据。换句话说。素描线条的构成主要取决于形体的外轮廓线和主要结构线。因此,在素描中只用单线条也能较正确地表现出形体的主要特征。另一方面,线条的构成也受画者对客观形象的主观感受、印象、理解和审美趣味等因素的影响与制约。素描中的线条既体现客观形象的主要特征,又可以表现作者的激情、感受和艺术风格等等。总起来说,客观形象的特征和主观表现的结合,即是素描线条的构成原理。

形体在一定光线照射下,其物质“固有色”的深浅,明暗变化、质感、空间色等等组成丰富的色调层次,这些是素描中色调语言的客观依据:运用细腻色调造型的表

作者  | 2017-9-13 10:07:27 | 阅读(117) |评论(0) | 阅读全文>>

色彩的调配

2017-9-13 10:06:55 阅读550 评论0 132017/09 Sept13

色彩的调配

橙色 = 红色 + 黄色 红、黄色比例不同,所得到的橙色深浅不同: 绿色 = 黄色 + 蓝色 黄、蓝色比例不同,所得到的绿色深浅不同: 紫色 = 蓝色 + 红色 蓝、红色比例不同,所得到的紫色深浅不同:

基本色的调和:

红、黄、蓝是三原色。红加黄变橙,红加蓝变紫,黄加蓝变绿。橙、紫、绿则是三间色。间色与间色相调合就会变成各类灰色。但灰色都应该是有色彩倾向的,譬如:蓝灰,紫灰,黄灰等。

中黄 柠檬黄 淡黄 桔黄 土黄 米黄 = 黄色 + 白色 藤黄 = 柠檬黄 + 玫瑰红 深黄 = 黄色 + 红 肤色 = 黄色 + 红 + 白色 黄褐色 = 黄色 + 褐色 大红 朱红 深红 紫红 玫瑰红 粉红 = 玫瑰红 + 白色 暗红 = 玫瑰红 + 黑色 淡紫色 = 红 + 蓝色 + 白色 桔红色 = 橙色 + 红色 粉紫色 = 紫色 + 白色 天蓝 湖蓝 古蓝 群青 普兰 淡蓝色 = 天蓝 + 白色 墨蓝 = 天蓝 + 黑色 翠绿 粉绿 中绿 橄榄绿 深绿 草绿 = 天蓝 + 黄色 黄绿色 = 柠檬黄 + 草绿 墨绿色 = 草绿 + 黑色 蓝绿色 = 草绿 + 天蓝 青色 = 绿色 + 蓝色

作者  | 2017-9-13 10:06:55 | 阅读(550) |评论(0) | 阅读全文>>

《达芬奇论绘画》第四篇:光、影、色

2017-9-13 9:59:56 阅读52 评论0 132017/09 Sept13

第四篇

光、 影、 色

〔题解〕作为佛罗伦萨画派杰出的代表人,芬奇特别推重光影与明暗的造型意义。他认为,物体的形状只有依靠光和影才能呈现出来,利用明暗使平面呈现浮雕,是绘画最神奇的一面。

芬奇研究了光和影的形态、大小、位置、浓淡和运动,研究了光滑物体表面上的反光和光泽。这些构成了本篇的理论部分。另一部分是讨论光线处理的部分,最为精悉。他认为画家最忌明暗之间有截然的分界,主张由明到暗的过渡应当和缓,他推荐人们选择阴天时作画,这时天空的普遍光可使画像柔和优雅,明暗之间融和宛如烟雾。这就是著名的SIumato(即融合之意)他的几内佛拉·扁溪像和莫娜丽莎像正是这样做的。

和威尼斯画派之推重色彩不同,佛罗伦萨派画家把色彩归乳光影中。芬奇手稿中专论色彩的段落不多,不过在色彩学方面,他也是一位大实验家。

〔论光与影的重要性〕

请看亮光,并思量它的美吧。眨眨眼睛再看看它,你就会见到本来并不在那里的东西,而原来在那里的,已不知去向。(第92页)

光影与素描何者较难?——我说,有边界包围的东西比之没有边界包围的东西难得多。影子具有某种边界,谁忽视它,他的作品便缺少浮雕的感觉。这浮雕的感觉是绘画中最重要的元素,是绘画的灵魂。素描则是自由的,虽然你可见到无数脸型,但它们一个与一个不同,有的鼻子长,有的鼻子短。因此画家也可以自由发挥,有自由的地方,就没有规矩。

论明与暗——光和影,再加上透视缩形的表现构成绘画艺术的主要长处。

阴影是物体及其形状的表白。

如果没有阴影,物体就不能将它的形状的品质传给知觉。

作者  | 2017-9-13 9:59:56 | 阅读(52) |评论(0) | 阅读全文>>

康定斯基:关于形式问题

2017-9-13 9:54:16 阅读296 评论0 132017/09 Sept13

关于形式问题

康定斯基

在现在这个特定的时刻,我们非常有必要使创造的精神(即抽象精神)找到一条通向心灵的途径,然后再通向其他心灵,并激起一种渴望、一种内在的冲动。当具备了一种使准确形式成熟的必要条件?内在的冲动才能够在人的精神中开创一种新价值,这种新价值,有意识或无意识地开始存在于人类当中。从这时候起,人类也有意识或无意识地开始寻找一种物质形式,以体现以精神形式存在于他身上的新价值。

这就是寻求精神价值物质体现的过程。物质在这里是一个贮藏室,精神从中寻找到它的必需品一一如同厨师从贮藏室中选取调料以供烹调一样 。

这一过程是积极的、创造性的,因而是有益的,它是白色的、普照万物的光。

白色之光导致进化、升华。因此创造的精神既躲藏在物质的背后又隐匿于物质之中。 在物质中,精神通常为一层厚厚的面纱所包围,一般很少有人能透过面纱而窥见其实质。尤其在今天,多数的人们都不能认识宗教中和艺术中的精神;由于人们看不到这种精神,因此精神也几乎消声匿迹,这种现象已整整持续了好几个世纪。十九世纪如此 , 今天依旧如此。凡人皆盲。

一只黑手遮住了他们的眼睛。这黑手属于这样一位愤世嫉俗的人:他仇视一切进步的努力,千方百计阻挡进化和升华。他的行为是消极的,破坏性的,因而是罪恶的,他的手是黑色的、导致死亡的手。

进化是向前、向上的运动,务须在一条平坦无阻的道路上才有可能进行,这就是说,道路上不能存在任何障碍物,这是外在条件。

推动人类精神在平坦无阻的道路上向前、向上运行的力量是抽象精神,它必然要发出召唤并让世人听见它的呼声 , 这种召唤必定是可能的 , 这是内在条件。

作者  | 2017-9-13 9:54:16 | 阅读(296) |评论(0) | 阅读全文>>

油画大师分类浏览——意大利画家

2017-9-13 9:51:18 阅读71 评论0 132017/09 Sept13

意大利画家

贝诺佐·哥佐利 Benozzo Gozzdi(1420-1475年) 安哲里柯的学生

乔凡尼·贝利尼 GiovanniBellini (1430-1516年)意大利文艺复兴时期画家

山德罗·波提切利 SandroBotticelli (1445-1510年)意大利文艺复兴时期画家

多梅尼科·基兰达约 DomenicoGhirlandajo (1449-1494年)文艺复兴前期的湿壁画家

莱奥纳多·达·芬奇 Leonardo da Vinci(1452-1519年)意大利文艺复兴时期美术家、自然科学家、工程师

米开朗基罗·博纳罗蒂Michelangelo Buonarroti(1475-1564年)意大利文艺复兴盛期雕塑家、画家、建筑师、 诗人

乔尔乔奈 Ciorgione(1477-1510年)意大利文艺复兴时期威尼斯画派画家

洛伦佐·洛托 Lorenzo Lotto(约1480-1556年) 文艺复兴时期威尼斯画派画家

作者  | 2017-9-13 9:51:18 | 阅读(71) |评论(0) | 阅读全文>>

油画大师分类浏览——法国画家

2017-9-13 9:50:05 阅读187 评论0 132017/09 Sept13

法国画家

西蒙·武埃 SimonVouet(1590-1649年) 法国画家

乔治·德·拉图尔 Georges de Latour (1593-1652年)法国宗教画和风俗画画家

尼古拉斯·普桑 NicolasPoussin (1594-1665年)法国古典主义绘画奠基人

夏尔·勒布伦 Charles Le Brun(1619-1690年)法国画家

让-马克·纳蒂埃 Jean-Marc Nattier (1685-1766年)法国画家

让-巴蒂斯特·西梅翁·夏尔丹 Jean-Baptiste SimeonChardin (1699-1779年)

弗朗索瓦·布歇FrangoisBoucher(1703-1770年)法国画家

让·巴蒂斯特·格瑞兹 JeanBaptiste Greuze (1725--1805年)法国画家

作者  | 2017-9-13 9:50:05 | 阅读(187) |评论(0) | 阅读全文>>

人体造型基础—— 人体形体结构的分解与组合

2017-5-22 9:33:36 阅读2030 评论0 222017/05 May22

人体结构虽然复杂,但像任何机器…样,都由简单的零部件装配而成。根据人体各部分的形态和结构,概括成各种几何形体,进行分解与组合,弄清他们相互组合、榫接的关系,这样就比较易于形象的记忆和加深对人体形态立体的理解。

人体的主要部分是躯干。躯干上部是呈倾斜的立方体胸部,内有卵圆形的胸廓所支撑。胸廓上部由四方形的胸大肌覆盖。下部由腹直肌和腹外斜肌与骨盆相连。躯干下部是呈相反方向的立方体,内有骨盆所支撑,骨盆上的髂前上棘,分叉成两束肌肉伸向大腿,是大腿连结骨盆的重要榫接点。

胸廓背侧,左右覆盖了两块三角形的肩胛骨,肩胛骨上方,由斜方肌等与颈部相连。胸廓下部由背阔肌等覆盖,背部中间由脊椎贯串上下,两旁由骶棘肌所衬垫,直至骶椎,外形上明显可见。骶椎连结髋骨形成骨盆,此处是躯干背侧下部的重要榫接点。臀中肌、臀大肌分置在两旁,像蝴蝶的两侧翅膀。

下肢的大腿呈圆柱形,小腿呈三棱形,在膝与踝两关节处呈方形。

上肢的肩部由三角肌所包裹,中间的骨点是肩峰。上臂的伸、屈肌组成的形体与前臂伸曲肌组成的形体相互交叉。腕部与手都呈降梯形。

颈部呈圆柱形,上托头部,下插胸廓。颈部前侧由胸锁乳突肌彤成颈前三角,喉突位于其中。颈部背侧的颈椎两旁由斜方肌覆盖、第七颈椎为重要的骨点。

头部是块立方体,由脑颅和面颜两部分组成,脑颅部呈卵圆形,面颜部在眼和颧骨部分是平的,嘴的部分变圆,下巴接近三角形。

作者  | 2017-5-22 9:33:36 | 阅读(2030) |评论(0) | 阅读全文>>

小汉斯·荷尔拜因素描

2016-11-28 16:15:29 阅读3241 评论0 282016/11 Nov28

小汉斯·荷尔拜因(Hans Holbein the Younger 1497- 1545年)是16世纪德国最后一位著名的画家。小荷尔拜因比丢勒小26岁,出生于奥格斯堡,父亲汉斯·荷尔拜因也是一位画家。小荷尔拜因从小天资聪敏,很快吸收了北方和意大利艺术家的成就,成为一名画家。

小荷尔拜因成年后去了当时北方的文化中心巴塞尔,在那儿画了许多作品,还结识了著名的人文主义者伊拉斯莫,并为其作过一些肖像画。正当他在通向一流大师的道路上奋进的时候,宗教改革的动荡使他的希望成为泡影。以后伊拉斯莫介绍他去了英国,在那儿他成为了英王亨利八世的宫廷画家,并在英国度过了他的大半生。小荷尔拜因以擅画肖像著称(因其父与他同名,故称他小荷尔拜因)。

小荷尔拜因的肖像画风格细腻,注重性格和细节刻画,观察深入,毫无戏剧性的渲染。他的素描简练,善于线条的运用和处理。在英国画坛上他的肖像画有广泛的影响,为以后英国绘画的发展奠定了基础。荷尔拜因的作品主要有油画《伊拉斯莫肖像》(1523年)、《英王亨利肖像》(1540年)、《乔治·吉茨像》、《迈耶的圣母子》,木刻组画《死的舞蹈》(1526年)等。

作者  | 2016-11-28 16:15:29 | 阅读(3241) |评论(0) | 阅读全文>>

中国门

2016-11-24 10:53:15 阅读458 评论0 242016/11 Nov24

作者  | 2016-11-24 10:53:15 | 阅读(458) |评论(0) | 阅读全文>>

安格尔论艺术——谈音乐

2016-1-6 15:05:50 阅读640 评论0 62016/01 Jan6

音乐!这是多么神圣的艺术啊!诚然,因为音乐也有自己的风气。意大利的音乐,其风气是不良的,而德国的音乐呢!……

音乐也和所有其他艺术一样,不可能有缺乏力度的优美。

力度——是艺术作品里必需的素质,它是伟大的动力,但是很少有人能对它掌握适当的分寸,而力度过分强大也是不必要的。

为了使生活在气候严酷的阿尔卡迪亚人的性格柔顺,法律规定每个公民在三十岁以下必须学音乐,阿尔卡迪亚人因此成为希腊人中最有礼貌和最诚实的人。只有基涅特人拒绝效法阿尔卡迪亚这些非本族居民的榜样。他们轻视音乐,至今仍陷于天生的野蛮之中。而我们呢?我们追慕什么呢?我们是要成为阿尔卡迪亚人,还是成为基涅特人呢?

吕律比拉莫[80l更细腻一些,但有时却也臻于庄严的气势,而拉莫虽然通常总是充满着庄严感,可是为了取得妩媚和甜腻的节奏,却把庄严牺牲了。前者即使在意大利人中间也都被认为是露天舞台的作曲家,可是意大利人却非常喜欢拉莫的作品,甚至把他的某些歌剧译成意大利文,尽管他是法国人。我亲眼在罗马看到,莫扎特的一首极其平常的华尔兹曲,差不多四年的时间一直在吸引和迷恋着全国的男女歌唱家们。这不是对拉莫的艺术才能和莫扎特的艺术天赋最好的证明,同时也是对否定音乐的斯多噶派哲学家卢骚最有力的驳斥吗?

我和瑞典大使一起在圣戈塔诺欣赏了莫扎特的安魂曲。尽管人们对这首神圣的杰作极其崇拜,但我产生了一种想法,如果要我来写这首作为安魂弥撒的乐曲,我得尽量给它再增加些内容,使这首曲子产生怜悯和惊恐的非凡印象,像爱斯寇勒的《爱芙梅尼迪人》中那样。我将引出地下死者的声音、死者的哀号,造

作者  | 2016-1-6 15:05:50 | 阅读(640) |评论(0) | 阅读全文>>

安格尔论艺术——谈几件美术作品和几位美术家

2016-1-6 13:56:47 阅读852 评论0 62016/01 Jan6

美术的素材在佛罗伦萨,而成果则在罗马。

佛罗伦萨卡尔明大教堂内的布朗卡契小礼拜堂【59】是真正优秀绘画的摇篮。

在阿西齐(即宗教裁判所)内有两个教堂【60】,一个在另一个的上面。下面一层:阴暗而又神秘,那里是赎罪的地方;上面一层:却是光明而又宁静,这是天堂,这是希望和随之而来的幸福。

十六世纪为艺术的各个领域提供了最伟大的能工巧匠,在这个时代他们都遵循着一条不变无误的准则:素描是可以使艺术作品取得真正的美和正确的形式的唯一基础。大量光辉的巨制和不朽杰作就是由此产生的。拉斐尔不仅仅是一位最伟大的画家,他很美,心地也善良,他具有一切老天爷似乎在嫉妒人世间,因为它过早地夺走了我们的拉斐尔和莫扎特。

每个人的判断力无论怎样薄弱,他对艺术的理解和对美的事物的感觉始终必须反复地同荷马交流着,因为他所取得的最纯洁的乐趣要归功于荷马。人们谈论荷马愈多,关于荷马的传说也将发现得更多;新的思想是在那些已被认为是过时的人物身上产生的。对神圣的拉斐尔也应作如是观,不过对他的赞扬显得轻描淡写一些。

我和雕刻师波伦一起去看《大厅》  (指梵蒂冈教皇宫内各大厅——译注)(1814年)。我还从未感到拉斐尔的艺术竞是如此出色,比我过去所发现的要美得多,这个令人崇拜的人物远远超出了所有其他人了。我深信不疑,他以天赋的才智创作着,在他自己的胸中,或者确切些说,在他的心灵里装着整个自然。既是这样,那他一定是第二个造物主。

我觉得他的《辩论会》,尤其是他的《波尔塞的弥撒》可算是辉煌的巨制。在一面墙壁上,全是肖像,而在另一面墙壁

作者  | 2016-1-6 13:56:47 | 阅读(852) |评论(0) | 阅读全文>>

安格尔论艺术——谈对古典艺术及其前辈巨匠的研究

2016-1-6 9:32:43 阅读616 评论0 62016/01 Jan6

对于古希腊罗马艺术的精美还有所怀疑的话,那就无异于诽谤。

那种认为不研究古希腊罗马和古典艺术也能搞创作的想法,不是出于狂妄,一定是由于懒惰。是的,漠视古代传统,眼里只有他自己的艺术,充其量也不过是懒汉的艺术。这种理论来自那种想入非非但不肯实践、想弄懂但又不去研究的人。他们的艺术既缺乏规律性,也没有信念,就像一个在茫茫黑夜里冒险走路的人那样只怀着侥幸的心理,仅凭自己的胆略、经验和理解力进行他所能进行的艺术活动。

古代人比我们强,仅因为他们的观察方法极其深邃、锐利、广博而又诚实。他们从不降低这个准则,他们到处运用它,从各方面看,他们对这个准则似乎习以为常了。故而我们也应像对待他们在工业上的奇迹一样去珍视他们的艺术遗产,连最小的一块残片也不要放过,当然包括他们视为微不足道的日用陶器品,这些陶器的优美造型至今仍令我们神往。我们必须重新掌握这种审美方法。这根线一度中断了,至意大利文艺复兴,又被接通一段时期,可是后来的数个世纪野蛮时期它又再度中断;现在我们应当设法把它再接上。

后人的艺术只是靠了古希腊罗马的艺术遗产才得以更新,我们要继承古代大师们这份遗产,让它在我们这一代人中发扬光大,充分发挥他们以前所运用的那些艺术手段。

要不断地临摹自然,学会认真观察自然物的能力,因此有必要研究古希腊罗马的艺术和古代巨匠的名作,这绝不仅仅是模仿他们,我再重述一遍,这是为了学习他的观察力。你们真的以为,我派你们到鲁佛尔(博物馆)去是要你们到那里寻找什么现成的“美的典范”吗?在自然中没有这样的东西。在没落时代这种蠢事只能使艺术堕落。我派你们到鲁佛尔去,

作者  | 2016-1-6 9:32:43 | 阅读(616) |评论(0) | 阅读全文>>

安格尔论艺术——谈色彩

2016-1-6 9:31:58 阅读538 评论0 62016/01 Jan6

色彩是装饰绘画的,打个比方,它不过像个宫廷小姐,仅仅对艺术的真正完美起些促进作用,所以她往往显得格外迷人一些。

一个卓越的素描家不掌握完全适应他的素描特点的色彩,这样的例子是不存在的。在许多人的眼里,拉斐尔不是个色彩家。当然,他不会像鲁本斯或者凡·代克【40】那样描绘。见鬼去吧!可不是,……拉斐尔还真防备这一手呢!……

鲁本斯和凡·代克能娱人耳目,但他们玩弄的是骗术。他们是些不良学派——谎言学派的色彩家。提香的画,才有真实的颜色,在他画上的模特儿没有夸张,没有过分炫耀,一切都是真实可信的。

不必要过分强烈的色调。这是反历史的。如果你们不善于准确地去再现形象,如果你们在寻求非常正确的色调上力不从心,与其追求热调子,不如干脆在灰调子中陷于不拔。

组成色彩的基本要素不在于一幅画的明暗色块各部间配合得当,它多半是显示在每一个被描绘对象的特殊的色调差别上面。例如,有闪光的白色织物就会影响到黝黑的、带有澉榄色调的人的肤色,特别要善于鉴别柔和的金黄色与冷色调子之间、人体身上意外的色调与局部性的色调之间的关系。这种思考方法是在一次偶然的机会中在我头脑中产生的,当我在镜中发现披在身上的白色织物反射在我的爱迪普斯【41】的大腿上的时候,竟是如此耀眼和美丽,它和皮肤的金黄色暖调子竞同时并存着。

有些画家在自己的画上轻率地使用过量的白颜色,接着又不得不盖掉或用其他颜色调暗,这是大错特错的。白颜色应当省下来用在描绘光,描绘使画面产生强烈印象的光的效果上面。提香说,最好是把白颜色当做群青那样珍惜地使用;而宙克西斯——这位古希腊画家中的提

作者  | 2016-1-6 9:31:58 | 阅读(538) |评论(0) | 阅读全文>>

安格尔论艺术——谈批评与趣味

2016-1-6 9:30:23 阅读506 评论0 62016/01 Jan6

一位美术家当他坚信走的是一条正确道路,当他按照那些有资格取得广泛声誉的前辈的脚印前进时,他才能以真正的天才人物所特具的勇气和信念来武装自己。他决不能因为一群不学无术之徒的指责而中断自己坚信着的道路。须知他是对的,这是说,他应当作出示范,提供趣味的样板。

您的信心越强,就越应当善意地帮助动摇彷徨的和德薄力弱的人。善良——这是天才者的伟大品质之一。

有些大艺术家囿于孤陋寡闻,只在自己的小圈子内抱怨,他们的不幸就在于缺乏感受。作品的成就仅取决于总的艺术效果,而那些完好的细节——由于他们发挥了那些有价值的(或者是毫无价值的)作用而显得难能可贵的大量线条,只有少数行家才能悄悄地直接地感受到他的艺术趣味,当然这里不会有观众的掌声,也永远没有嫉妒,对于无知者来说,则更是无动于衷,能够理解到的,才似乎是对真正天才艺术家的头等奖赏。

“世界如果可以按另一种方式创造,那么几乎没有比一个敢同群众的偏见作斗争的人的胆略和坚强更伟大的事物了”  (伏尔泰语)。是的,如果这是一种善良的胆略,当然很好。但是如果他像伏尔泰那样是个恶人,这会导致什么后果呢?会导致野蛮,导致对永恒的真、善、美的荒谬的否定,导致心灵的枯竭,导致虚无,导致那种不毛之地上的可怕的沉默。时间对于一切事物都是公正的。荒诞不经的造物可以其虚伪而令人目眩的面貌惊扰和欺骗它的时代,因为通常人们很少能独立判断,多半是随波逐流的。要知道正确的艺术趣味几乎像天才那样稀少。趣味!……与其说它包含着明辨良莠的眼力,不如说它包含着那种瑕不掩瑜的洞察力。某些艺术的源泉本身就包含着许多尚未成形的,然而孕育着比业已完成的艺术更为完美的东西。

作者  | 2016-1-6 9:30:23 | 阅读(506) |评论(0) | 阅读全文>>

查看所有日志>>

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

页脚

网易公司版权所有 ©1997-2018

登录  
 加关注